Este artículo critica la maniobra del establishment artístico conservador (a ambos lados del Atlántico) de despolitizar la obra artística de Picasso, señalando la coherencia que tal autor tuvo durante su vida, resultado de un compromiso político que explica su apoyo a la causa republicana española, en contraste con la incoherencia y servilismo de Dalí.

Un objetivo del establishment artístico de EEUU (que es profundamente conservador) es despolitizar el arte, marginando o desdeñando el arte comprometido en el proyecto de cambio de la sociedad. Un ejemplo de ello es el artículo que el crítico John Richardson acaba de escribir en The New York Review of Books (la revista intelectual más prestigiosa de EEUU) sobre Picasso y su compromiso político (25-11-10), a raíz de la exposición de las pinturas de Picasso sobre el tema Libertad y Paz –que se está exponiendo en Viena y se presentará después en Copenhague–.

Tal artículo intenta despolitizar cualquier expresión artística, intento que es, por cierto, profundamente político.

Siempre recordaré la primera vez que vi el original del Guernica de Picasso en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) en los años setenta. No había en la descripción del cuadro ninguna referencia a la Guerra Civil española. El grado de gimnasia intelectual que los críticos de arte del establishment artístico conservador estadounidense tienen que hacer para evitar el contexto político que configura la obra de arte presentada es enorme. Hablar del Guernica sin hablar del bombardeo de aquella ciudad por la aviación nazi alemana es toda una proeza, limitándose a presentar el cuadro como una imagen en contra del horror, sin más.

En este objetivo de despolitizar el arte, se enfatiza la vivencia existencial del artista sin ninguna reflexión sobre el contexto político que la configura. Ello explica que John Richardson llegue a atribuir las variaciones en el arte de Picasso, primordialmente, a los cambios de amantes y la influencia que estas tuvieron –según Richardson– en el pintor. Es cierto que cita que Picasso fue miembro del Partido Comunista desde el año 1944 y que nunca dejó de serlo, pero trivializa este hecho como si fuera una mera anécdota sin importancia. En realidad, dice que los vaivenes políticos de Picasso (le atribuye erróneamente ser monárquico antes de la Guerra Civil) eran tan constantes como los cambios de amantes.


El Osario - 1944

Picasso, en realidad, fue un artista profundamente comprometido con la causa republicana en España. Su compromiso fue constante, durante y después de la Guerra Civil y colaboró con las fuerzas antifascistas que lucharon por el restablecimiento de la democracia en España. La biografía enormemente insuficiente y sesgada que ha preparado El Prado reconoce tímidamente este compromiso del pintor, definiéndolo erróneamente como un liberal. Picasso nunca fue un liberal, por mucho que ahora esta definición esté de moda. En realidad, el Partido Liberal fue un partido que apoyó el golpe militar.

Durante la Guerra Civil, Picasso se puso a disposición del Gobierno republicano. Nombrado en su ausencia (dos meses después de que se iniciara la sublevación militar) director de El Prado, le afectó profundamente que la Legión Cóndor, la aviación nazi alemana, pudiera bombardear ese museo, lo cual determinó que se desplazaran gran número de cuadros a Valencia y más tarde a Ginebra. Picasso contribuyó con cantidades significativas aportadas de su bolsillo para pagar el coste del transporte (75 camiones), una de las medidas más exitosas de transporte de obras de arte durante la guerra. Sólo dos cuadros fueron dañados: uno de ellos de Goya. Algunos de los guardas de los camiones fueron detenidos por los franceses y entregados a los nazis, quienes les llevaron a Mauthausen.

Durante la dictadura, Picasso ayudó activamente a la resistencia antifascista. El grado de ignorancia de John Richardson sobre este hecho es enorme. Por ejemplo, llega a indicar que Picasso estuvo en contacto con círculos próximos al dictador, citando sus contactos con el torero Dominguín, al que asume cercano a los círculos fascistas. En realidad, Dominguín colaboró con la resistencia antifascista siendo un hombre de ideas antifascistas.

Una última nota. Picasso ha sido uno de los pintores que más coherencia han mostrado en su vida. Es el caso opuesto a Dalí que, para congraciarse con la dictadura, insultaba públicamente a Picasso, llegando a enviar telegramas de felicitación al dictador cuando este firmaba penas de muerte para los miembros de la resistencia detenidos (y fusilados) por la dictadura. Pocas veces ha alcanzado un artista, o un ser humano, el nivel de vileza de Dalí. No era de extrañar que, cuando se estableció la democracia, Dalí se fuese durante una temporada a Francia, temeroso de que la población lo linchara. Hoy el establishment conservador español y catalán adora y promueve a Dalí, e ignora a Picasso.


La guerra de Corea

El comportamiento oportunista y vil de Dalí, sin embargo, contrastó con la integridad de Picasso, que desde el principio hasta el final mostró su horror por la guerra, por el nazismo y por el fascismo, y por todos sus semejantes que todavía persisten. Y ahí quedan su Guernica, La violación de las Sabinas, Masacre en Corea y muchos otros cuadros, piezas que continúan siendo relevantes, como lo demostró el hecho de que, durante la Guerra de Irak, el secretariado de Naciones Unidas ordenara sacar una reproducción del Guernica de la sala de prensa de Naciones Unidas donde se daban las conferencias de prensa sobre la invasión de Irak.

Querer presentar a Picasso como apolítico y carente de compromiso es una mezquindad y una ofensa a su memoria y a la de miles y miles de artistas que defendieron los valores de la justicia pagando un enorme coste por ello. Para Picasso, tal coste fue –como para cualquier exiliado– no vivir en el país al cual dedicó parte de su vida: España. Hay un deber pendiente de España y de El Prado hacia Picasso. Debería hacerse una exposición de las pinturas del artista que mostraran su amor a su país y su compromiso con la democracia en España.

Vicenç Navarro

Fuente: Tlaxcala

Gloriosa Victoria - Diego Rivera

El mural “Gloriosa victoria”, del pintor mexicano Diego Rivera, será exhibido en octubre por primera vez en Guatemala, en una exposición que busca resaltar el proceso democrático iniciado en 1944 y sepultado por un complot militar urdido por Estados Unidos en 1954.

“Gloriosa victoria” retrata la sangrienta invasión encubierta estadunidense, orquestada por la Agencia Central de Inteligencia (CIA), que condujo a la caída del gobierno reformista de Jacobo Arbenz (1951-1954).

El mural, que estuvo perdido durante 50 años (olvidado en la bodega de un museo ruso) y nunca fue exhibido en Guatemala, forma parte de la exposición "¡Oh Revolución! 1944/2010", que estará abierta durante octubre en el Palacio Nacional de la Cultura (antigua casa de gobierno).

El coordinador presidencial para la exposición, Fernando Barillas, señaló a medios locales que la obra de Rivera (1886-1957) llegará a Guatemala el sábado.

En el mural, encargado a Rivera por un grupo de pintores mexicanos para "apoyar al pueblo guatemalteco recién invadido por Estados Unidos", el personaje principal es el entonces presidente norteamericano Dwight Eisenhower (1953-1961), a quien personifica como un tirano invadiendo América Latina.

Sin embargo, el mural no agradó a quienes lo encargaron, porque fustigaba al comandante aliado de la Segunda Guerra Mundial, por lo que no fue exhibido en esa época.

Según el ministro de Cultura y Deportes, Jerónimo Lancerio, esta muestra será la más importante en Guatemala en los últimos 60 años.

"Esta exposición forma parte de los esfuerzos del gobierno de Guatemala de impulsar un proceso de reconocimiento histórico a personajes y acontecimientos que marcaron nuestra vida como nación", dijo el funcionario.

El mural llegará a Guatemala en calidad de préstamo, luego de que el presidente Álvaro Colom suscribiera un convenio con el Museo de Pushkin de Moscú, donde la obra estuvo guardada durante décadas, hasta que fue localizada en 2000.

“Gloriosa victoria” fue exhibido en México en 2007, al cumplirse medio siglo de la muerte de Rivera.

Fuente: La Jornada

El mestizo - Oswaldo Guayasamín

La obra y el pensamiento del artista ecuatoriano Oswaldo Guayasamín, recordado por su intensa lucha social, serán revividos en 25 obras pertenecientes a una exposición de pintores cubanos que se inaugurará en noviembre en Quito, con el fin de rendirle homenaje, a propósito de haberse cumplido en julio, 90 años de su nacimiento.

Para recordar el legado del también llamado Pintor de Iberoamérica, los artistas cubanos ya culminaron parte de sus retratos e interpretaciones.

El presidente ejecutivo de la Fundación Guayasamín, Pablo Guayasamín, hijo mayor del artista ecuatoriano, detalló que autores como Roberto Fabelo, Ernesto García Peña y Agustín Bejarano, le rendirán homenaje a su padre.

"La original iniciativa de los periodistas cubanos Pedro Martínez Pírez y Roberto Chile ha ido tomando cuerpo con la cálida acogida de los artistas plásticos de la isla", expresó el mayor de los hijos del desaparecido pintor.

Roberto Chile, dijo por su parte, que "esperamos que este homenaje a través de las artes plásticas logre trasmitir al mundo entero el respeto, la admiración y el afecto que sienten los cubanos por el Pintor de Iberoamérica, ese ilustre latinoamericano a quien Fidel Castro llamó Profeta del Porvenir".

Oswaldo Guayasamín, nació en Quito, el 6 de Julio de 1919, se gradúó de Pintor y Escultor en la Escuela de Bellas Artes de Quito.

Realizó su primera exposición cuando tiene 23 años, en 1942 y Obtuvo en su juventud todos los Premios Nacionales. Fue acreedor, en 1952, a los 33 años, del Gran Premio de la Bienal de España y más tarde del Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo. Falleció el 10 de marzo de 1999, a los 79 años.

Fuente: TeleSur

En 1944, la adhesión del artista al Partido Comunista francés levantó olas que llevaron incluso a desmerecer sus obras de ese período. La exhibición Picasso: Peace and Freedom busca, según su director, “que el público se haga su propia opinión”.

Jonathan Brown

El 4 de octubre de 1944, menos de seis semanas después de la liberación de París –donde se había exiliado– Pablo Picasso sorprendió al mundo con su anuncio de que se unía al Partido Comunista francés. Su alistamiento en la causa era un golpe increíble para Moscú, una movida que dividió a los expertos en arte y política para siempre. Algunos cínicos dudaron de sus convicciones y alegaron que era sólo un mero exponente de las visiones de moda expuestas en los círculos intelectuales de izquierda en los que él se movía. Otros supusieron que su arte nunca recobraría su vieja gloria, mientras el hombre se encontraba enredado en la cada vez más amarga batalla de propaganda de la Guerra Fría.

Ahora, el público tendrá la oportunidad de hacerse su propia opinión sobre el prolongado Período Rojo de Picasso como miembro del Partido Comunista, una relación que sobrevivió al levantamiento húngaro y la Primavera de Praga, y que el artista mantuvo con fidelidad hasta su muerte en 1973. Una gran exhibición que incluye más de 150 trabajos del pintor español abrirá el año próximo en la Tate de Liverpool, en un intento de arrojar nueva luz en un capítulo controvertido de una carrera extraordinariamente productiva. Entre las estrellas de la muestra estará su monumental The Charnel House, que no ha sido vista en Inglaterra en más de medio siglo, inspirada en las imágenes de campos de concentración liberados. La exhibición, montada en colaboración con el museo Albertina de Viena, presentará La violación de las sabinas, recreación del célebre Rapto de las Sabinas creada en el pico de la crisis de los misiles cubanos en 1962. En la muestra también habrá ejemplos y bocetos de la paloma de la paz que se convertiría en el instantáneamente reconocible símbolo del movimiento mundial por la paz.

Picasso: Peace and Freedom (Picasso: Paz y Libertad), que sucede a la exitosa exhibición de 2008 sobre Gustav Klimt, es el resultado de años de planeamiento y una exhaustiva investigación que llevó a los expertos al Picasso Institute en París, donde se conserva buena parte de la correspondencia del artista. Christoph Grunenberg, director de la Tate Liverpool, tiene la esperanza de que a partir de esta muestra el público pueda tener una apreciación más sutil del artista en los años posteriores a 1945. “Es mirar a Picasso durante la Guerra Fría, alejarse de su mito como genio creativo y playboy con un compulsivo talento expresivo, para tener una visión con más matices”, señala el director. “La gente ha tratado de desmerecer su compromiso político, pero él fue miembro activo y completo del partido, y estaba claramente involucrado en el movimiento pacifista”, agrega.

Una de las cosas que resultaba curiosa de la asociación entre Picasso y los comunistas era que el partido adoptaba oficialmente la escuela de realismo social, en oposición oficial al movimiento moderno del cual el “decadente” Picasso era quizá el mayor exponente. Pero su largo exilio de la España natal por su oposición al régimen del general Franco, combinado con las brutales experiencias de la vida durante la ocupación nazi de París, llevaron a que viera al comunismo como un ideal de paz y la llave para un mundo libre de fascismo. En el momento, su decisión desató toda una serie de consecuencias. Hubo protestas de grupos de derecha en sus exhibiciones y se le prohibió la entrada a Estados Unidos. Pero el artista comenzó a viajar por todo el mundo, presentándose en conferencias públicas por primera vez y realizando donaciones a causas varias, incluyendo el regalo de un millón de francos a los mineros de carbón franceses en huelga. Se unió a protestas contra la Guerra de Corea y la ejecución de Nikos Beloyannis, comunista griego y líder de la resistencia.

Picasso recibió el Premio Stalin de la Paz y el Premio Mundial de la Paz, que compartió con el cantante estadounidense Paul Robeson y el poeta chileno Pablo Neruda, aunque luego declinó recibir la Legión de Honor francesa. En 1953, tras la muerte de Stalin, el estilizado retrato que Picasso hizo del joven dictador abrió una grieta con los comunistas franceses, que objetaron su falta de realismo. Los acontecimientos en Hungría enfriaron aún más la relación, pero Picasso, a pesar de sus crecientes reservas, no abandonó el partido y prefirió expresarse a través de la prodigiosa producción que caracterizó las últimas décadas de su vida. Por supuesto, no todos compraron la idea del artista como figura central de la izquierda. Salvador Dalí hizo un comentario famoso: “Picasso es pintor, yo también; Picasso es español, yo también; Picasso es comunista, yo tampoco”. Grunenberg cree que es una visión injusta, y que la caída del Muro de Berlín provocó un cambio sísmico en la apreciación de sus últimos trabajos. “Eso ya no tiene vigencia. Hay muchas piezas fantásticas que serán parte de la exhibición: Picasso siguió reinventándose a sí mismo y comenzando nuevos temas. Son trabajos maravillosos”, dice.

Fuente: Página 12

Nace en Montevideo el 28 de julio de 1874, hijo de un catalán y de una uruguaya. Desde sus primeros años muestra afición por las artes plásticas y por el trabajo en madera. Su familia deja el Uruguay en 1891 radicándose en Cataluña, España, de donde retornará cuarenta y tres años después.




En Barcelona asiste a los cursos de la Academia Baixas y de la Escuela Oficial de Bellas Artes y comienza a realizar algunos trabajos como ilustrador para revistas. Conoce a Picasso, colabora con Gaudí en la basílica de la Sagrada Familia y en la reforma de la Catedral de Palma de Mallorca. En Bruselas, en 1910 decora el pabellón uruguayo de la Exposición Universal , en 1913 realiza la decoración de un salón de la Diputación Provincial de Barcelona. Se dedica a la enseñanza, escribe, se interesa en la fabricación de juguetes de madera exponiéndolos por primera vez en 1918. Posteriormente, radicado en Nueva York continúa la fabricación de juguetes que realiza por encargo. En 1926 se instala en París luego de exitosa exposición de sus obras en la galería Fabre. En 1928 conoce a Theo Van Doesburg quien lo pone en contacto con el neoplasticismo y le permitirá más tarde relacionarse con Mondrian, lo cual será decisivo en su pintura, ya que si bien el uso de la ortogonalidad puede verse en su obra desde 1917, es recién a partir de estas vinculaciones realizadas en París, que Torres García asume otro rigor que le hará desembocar en su teoría constructiva. Luego de una estadía en Madrid donde también expone y forma un grupo de Arte Constructivo, regresa al Uruguay con su familia por razones económicas. Realiza en Montevideo una labor docente de gran valor formativo. Funda en 1935 la Asociación de Arte Constructivo organizando además numerosas exposiciones, dicta 600 conferencias, difundiendo incansablemente su ideal de constructivismo universal.



Algunos críticos lo han definido como un "buscador" que renuncia a los valores adquiridos y centra su objetivo en el abandono de lo imitativo para alcanzar lo creativo .Su pintura constructiva admite una lectura formal, plástica y semántica de índole espiritual.

Cuadrados y rectángulos son organizados con una idea mística del orden con numerosos símbolos provenientes del patrimonio universal.

Muere en Montevideo el 8 de agosto de 1949.

Fuente: Museo Nacional de Artes Visuales

La casa azul de Frida Khalo acogió ayer la presentación del libro "El baño de Frida" con fotografías de la destacada artista latinoamericana Graciela Iturbide y texto del escritor mexicano Mario Bellatín.

Hace cuatro años se abrió en este recinto el baño de la pintora, que como otros de la casa de su esposo, el también artista plástico Diego Rivera, permanecía cerrado desde hacia 50 años.

Fueron desenterrados miles de documentos y objetos de alto valor pertenecientes a la pareja mexicana, e Iturbide llegó con su cámara a apropiarse de la intimidad de Frida, y descubrir una mujer más universal.

Las imágenes tomadas durante el proceso se encuentran ahora en una exposición en la galería López Quiroga, cuyo director, Ramón López Quiroga, asistió al lanzamiento del libro.

El escritor Bellatin relató durante la presentación la manera en que llegó a compartir sus letras con las fotos, bajo el título "Demerol. Sin fecha de caducidad" que ahora se conjugan en el libro en honor a una Frida diferente.

Frida, comentó el literato, fue una mujer que renovó con su arte lo ya considerado auténticamente mexicano.

La directora de la casa museo de la pintora mexicana, Hilda Trujillo, comentó que aún en vida, Diego pidió que baños y baúles no se abrieran en 15 años, debido a sus vínculos con el partido comunista, pero estos estuvieron sellados por más de 50.

En el de Frida fueron encontrados más de siete mil documentos, seis mil fotos y como 300 vestidos de la pintora, una de las más publicadas en el mundo, convertida hoy día en un mito de este país.

Graciela se adentró en la vida de esa increíble mujer, destacó Trujillo, y cuando el baño quedó despojado de sus objetos, descubrió un nuevo mundo de Frida, de blancos y grises, añadió.

La obra lleva 28 imágenes de Iturbide, artista que ha expuesto en todo el planeta y recibido numerosos premios, entre ellos el Hasselblad, considerado el Nobel de fotografía.

En la casa azul, donde tuvo lugar la cita, pervive la vivienda de la esposa de Diego; allí, en una de sus habitaciones, que traen el recuerdo de una Frida sufrida y llena de arte, están sus palabras inscritas.

"Jamás en toda mi vida olvidaré tu presencia, me acogiste destrozada y me devolviste íntegra, entera."

Fuente: PL

Por primera vez, las obras maestras del pintor valenciano colman el Museo del Prado

Armando G. Tejeda

Del pincel de Joaquín Sorolla brotaron los lienzos más luminosos y embriagadores del mar Mediterráneo. Su obra, tan prolífica como polifacética, puede servir de base para entender los trajines históricos de España durante el siglo XIX y principios del XX, pero también los cismas y dramas de Europa.

El pintor valenciano, quien murió en 1923, fue catapultado este viernes en el Museo del Prado como el gran artífice de la pintura modernista, como el artista plástico más influyente, transgresor y poético de su época, por lo que se han reunido por primera vez en Madrid todas sus obras maestras.

Joaquín Sorolla (1863-1923) es una de las exposiciones más relevantes de este año para la pinacoteca madrileña, empeñada desde hace tiempo en abrir sus salones a la pintura del siglo XIX e, incluso, del XX, con la pretensión de entablar a los ojos de los espectadores un diálogo vivo entre pintores, generaciones, corrientes y épocas.

Irrupción de las vanguardias

El talento de Sorolla tocó casi todos los géneros, a pesar de que su obra más conocida y emblemática se refiere a las escenas de playa, esos lienzos en los que siempre está de testigo y fondo el mar Mediterráneo, con sus azules vibrantes, con sus bañistas jubilosos y con sus pescadores y peones del mar abatidos por la fatiga o por la muerte.

Para luchar precisamente contra el aspecto de que Sorolla es un pintor del Mediterráneo se reunieron por primera vez en el Museo del Prado las obras más relevantes del artista.

Se trata de 102 cuadros, entre paisajes, pintura social, desnudos y naturalista, en los se trasluce no sólo la evolución artística y humana de Sorolla, sino que también es un reflejo inequívoco de los vaivenes artísticos, estéticos y conceptuales de su tiempo histórico.

Al respecto, Miguel Zugaza, director del museo, explicó: “Sorolla no sólo es un pintor del siglo XIX, sino del XX”, tanto por su vocación transgresora y poética, al mismo tiempo, como por lo que vaticina su propia obra plástica: la irrupción de las vanguardias.

La exposición monográfica y exhaustiva de Sorolla en el Museo del Prado es la primera que se hace desde 1963, pero ésta es la que reúne el máximo número de cuadros, entre ellos algunos que regresan por primera vez a España desde su creación y posterior venta, como es el caso de algunos de los 14 paneles de la obra Visiones de España.

En ese proyecto, Sorolla hizo un recorrido colorido por las regiones del país, desde Andalucía –con sus toros, procesiones y paisajes repletos de olivos– hasta las escenas costumbristas del País Vasco, con sus campesinos con txapela.

Contextualizada en la corriente pictórica del impresionismo, la muestra discurre de forma cronológica entre sus inquietudes creativas. Primero, los cuadros de pintura social que le dieron fama en las últimas décadas del siglo XIX.

A continuación, un amplio conjunto de retratos que ponen de manifiesto la influencia y admiración que Sorolla profesaba por Velázquez.

Zugaza señaló al respecto que “la exposición, sin duda la de mayor importancia de cuantas se han celebrado tras la muerte de Sorolla, muestra un completo recorrido de su trayectoria, que permite a la vez comprender de modo específico su contribución a los principales géneros que trató, todos ellos bien representados en la muestra.

“Así, se advierte no sólo el interés de su pintura social, sus temas de género y sus motivos de playa, sino también la excelencia con que trató otros asuntos como el retrato, el paisaje y el desnudo, mediante ejemplos rigurosamente seleccionados entre las pinturas más destacadas, algunas de ellas inéditas o muy poco difundidas.”

Pintura social, otra faceta

Uno de los comisarios de la muestra, José Luis Díez, señaló que “la popularización de sus cuadros de escenas de playa ha desdibujado con frecuencia la objetividad de las valoraciones que se han vertido sobre su figura desde su propia contemporaneidad hasta nuestros días, sirviendo de excusa fácil para sus críticos más severos, que incidieron negativamente sobre los aspectos más visuales o decorativos de su obra, así como de pantalla a una parte de la historiografía moderna, que ha visto en esta vertiente de la obra de Joaquín Sorolla la antítesis provocadora frente a las corrientes más renovadoras surgidas en su misma época en la pintura española e internacional”.

Mientras el otro comisario, Javier Barón, resaltó la llamada pintura social del artista valenciano: “La faceta de Sorolla como pintor social refleja las circunstancias más dramáticas de la injusticia que sufren las clases socialmente más desfavorecidas. Como cuando el pintor se interesa por la mujer como víctima desvalida por su propia condición femenina en el entorno hostil e injusto de la sociedad urbana simbolizada en el tren, elemento de modernidad y progreso y a la vez caja de resonancia de un microcosmos de vidas en tránsito en el que se reflejan todas las miserias humanas”.

Un ejemplo más de esta visión es el cuadro ¡Aún dicen que el pescado es caso!

La exposición de Sorolla, que se inaugurará este lunes, concluirá en Madrid el próximo 6 de septiembre.

Fuente: La Jornada

Las manos de la protesta - Oswaldo Guayasamín

Las voces del pueblo que plasmó el artista ecuatoriano Oswaldo Guayasamín en su obra adoptan una nueva dimensión en la muestra organizada por las Madres de Plaza de Mayo en la Escuela Mecánica de la Armada (Esma), lugar donde se cometieron muchas atrocidades durante la dictadura militar argentina (1976-1983).

“He pintado como si gritara desesperadamente y mi grito se ha sumado a todos los gritos que expresan la humillación, la angustia del tiempo que nos ha tocado vivir”, afirmó alguna vez Guayasamín al describir su obra, en declaraciones que renuevan su vigencia entre las paredes de este antiguo centro de tortura.

La Esma de Buenos Aires, principal centro clandestino de detención durante esa dictadura, fue declarada Museo de la Memoria y alberga el Espacio Cultural Nuestros Hijos, de las Madres de la Plaza de Mayo, al que llegaron los cuadros de Guayasamín.

Son “90 años del nacimiento de Guayasamín, 32 de lucha de las Madres en un solo puño, en un solo lugar, aquí”, resumió la presidenta de la organización, Hebe de Bonafini.

Pintor de Iberoamérica

“Guayasamín pintó el dolor y el horror con belleza, y es tan difícil unir las dos cosas, uno se acerca y se retira. Hoy sus cuadros están acá para cumplir un desafío, el que siempre hacemos las Madres: traer belleza y vida a donde hubo muerte, ganarle a la muerte con la vida, con la belleza, con el color, con la pintura”, afirmó Bonafini.

La muestra de Guayasamín, declarado “pintor de Iberoamérica”, en ese espacio contiene todo el dolor de la colección La edad de la ira, en la que los grises, el negro y algunos toques de marfil y verde traen a la memoria las series Homenaje a los mártires, Mujeres llorando y La madre.

El color luego explota en naranjas, amarillos y borgoñas para los rostros, los torsos de mujeres, el retrato de Atahualpa Yupanqui, los colores latinoamericanos de “este asombroso custodio de nuestra identidad”, según describió la música Teresa Parodi, directora del espacio cultural.

“Nunca mejor espacio ni mejor momento para encontrarnos, ni mejor ventana abierta al porvenir, ni mejor antorcha encendida que este lugar para recibir a este poeta del color, a este artífice del sacrificio, la bronca, el dolor y la lucha de los pueblos”, consideró Parodi.

Grito contra la injusticia

La inauguración de la exposición de Guayasamín, quien murió el 10 de marzo de 1999 a los 79 años, contó con la presencia del embajador de Ecuador en Argentina, Wellington Sandoval; el hijo del artista plástico, Pablo Guayasamín, y la ministra de Desarrollo Social argentina, Alicia Kirchner.

El diplomático exaltó el estilo humanista y expresionista del pintor para “plasmar el grito de protesta de quienes no estamos de acuerdo con las inequidades de la vida”. Y resaltó la “simbiosis” entre el artista y las Madres de Plaza de la Mayo, en quienes “creen en la solidaridad, en los derechos humanos, los que creen en la justicia”.

“La lucha es la misma –sostuvo Pablo Guayasamín–. Los buenos están venciendo a los malos. Éste que fue el sitio donde se torturó, se asesinó a una juventud, aquí está ahora la esperanza, está la vida, está la cultura, que es lo que va a salvar el futuro, definitivamente”, manifestó el hijo del pintor ecuatoriano.

Fuente: La Jornada

Julio Alpuy - Oleo sobre tela - 1957

El artista plástico uruguayo Julio Alpuy, uno de los principales exponentes del taller de Joaquín Torres García, falleció en Nueva York a los 90 años, indicaron este lunes sus allegados.

Alpuy estaba radicado desde 1961 en Nueva York, donde vivía acompañado por su esposa Joana Simoes, aunque su trayectoria creativa permaneció siempre vinculada al Uruguay y a su formación en el país sudamericano.

En 1942 conoció en Montevideo al que sería su maestro, el uruguayo Joaquín Torres García (1874-1949), y se integró a su Taller donde trabajó durante siete años perfeccionando su oficio plástico.

Alpuy alcanzó la madurez artística a finales de los años 50 y la consolidó en los sesenta con la producción de relieves y maderas, junto al desarrollo de un lenguaje propio que se aleja de la ortogonalidad del constructivismo.

En los cincuenta viajó a Europa, Cercano Oriente, Chile y Bogotá, --donde residió entre 1957 y 1958-- antes de radicarse definitivamente en Nueva York, donde también se había instalado Gonzalo Fonseca, otro importante artista plástico uruguayo de la escuela de Torres-García.

Fuente: AFP

Foto: AP


Una exposición en homenaje a los mitos de la plástica Frida Kahlo y Diego Rivera, bajo la autoría de 47 artistas cubanos, abre sus puertas hoy al público en México.

Desde la piel de Eva con los ojos de Adán es una muestra integrada por 54 piezas entre pinturas, grabados, fotografías e instalaciones que reflejan la vida y obra de la pareja y lo que ellos representan para los creadores de la nación caribeña.

Este tributo a dos de los fundadores del Salón de la Plástica Mexicana en 1949, forma parte de las actividades que por el Día de la Cultura Cubana tienen lugar en esta nación.

Aimé García, Isabel Santos, Zaida del Río, Eduardo Yánez, Manuel López Oliva, Nelson Domínguez, Agustín Bejarano, Iván Rodríguez, Adigio Benítez y Nilda Rojo son algunos de los artistas que participan en la muestra.

Frida Kahlo constituye uno de los grandes referentes de la pintura mexicana, cuya vida y obra resultan indisolubles. Los elementos tradicionales de la historia y la cultura de México son símbolos de su quehacer artístico, identificados con su posición política nacionalista.

Diego Rivera, considerado como uno de los mejores pintores de todos los tiempos y padre del muralismo mexicano, rescató el pasado precolombino y representó en formas clasicistas, simplificadas y con vivos colores los momentos más significativos de la historia de esta nación. Buscaba llevar el arte al gran público, a la calle y a la arquitectura, con un lenguaje preciso, directo, realista y pleno de contenido social.

El Instituto Nacional de Bellas Artes, a través del Salón de la Plástica Mexicana, la embajada de Cuba en México, el Consejo de las Artes Plásticas de Cuba y la embajada de México en La Habana auspician la exposición.

La exhibición permanecerá abierta al público hasta el 9 de noviembre en la sede del Salón de la Plástica Mexicana en esta capital.

Fuente: PL

Koldo Campos Sagaseta


Posiblemente, una de las características más notables de estos tiempos que nos han tocado en suerte sea su capacidad para devaluar todo lo que toca y lo que nombra. Los medios de comunicación se ocupan de que así sea.

Si los grandes conceptos cotizaran en bolsa, hoy lo harían a la baja. El problema, en cualquier caso, viene de lejos. Ya Enrique Santos Discépolo lo cantaba el pasado siglo en un inolvidable cambalache: “cualquiera es un señor, cualquiera es un ladrón”.

Hoy, cualquiera es un artista. De tanto aupar a tantos botarates sin alma y desalmados con botas, de tanto homologarlos como extraordinarios, de complacerlos como excepcionales, de titularlos como artistas, acaban sus escribanos , finalmente, quedándose sin palabras, sin adjetivos… además de sin vergüenza, cuando la página en blanco demanda, por ejemplo, la presencia de Aute.

Luis Eduardo Aute, músico, pintor, escritor, director de cine, es uno de los más versátiles creadores del siglo que se fue y del que camina y, para su suerte, no depende del esmero que demuestren los cronistas urdiendo parabienes y lisonjas a la hora de celebrar su obra, sino de una hoja de servicios al arte tan documentada, coherente y hermosa, que ningún mezquino silencio escondería.

A Aute, discreto hasta de sombra, del arte sólo le ha interesado el arte como expresión de vida. Ni el escenario le ha robado el juicio, ni las portadas le han quitado el sueño.

El próximo 8 de noviembre, en el Palacio de Congresos de Madrid, nos entrega sus últimos trabajos, la presentación de “Autorretratos Vol. III” y de “Memorable Cuerpo”.

El estuche incluye los tres volúmenes de los “Autorretratos”, el CD “Invisible” (canciones en inglés), dos DVDs de conciertos, un libro con las letras de 115 canciones, además de dibujos, fotografías y pinturas.

Aute, una buena ocasión para quitarse el sombrero.

Andreina Gutiérrez



El capitalismo arrecia y no tiene medida a la hora de llevarse por delante cualquier cosa que pueda representar ganancia inmediata o a largo plazo. Este es el caso reciente de la polémica generada acerca de una marca de productos de belleza que lleva el nombre de la famosa y excéntrica pintora mexicana Frida Kahlo.

El artífice de este nuevo hito del consumismo y la apropiación de íconos culturales para la comercialización (como ha sucedido con la figura del Che Guevara), es nada menos que el empresario venezolano Carlos Dorado, dueño de la casas de cambio Italcambio y de la tienda de ropa de diseñador, Casablanca. Dorado es gallego de nacimiento y llegó a Venezuela siendo adolescente con su familia. Según cuenta él mismo, un día se encontró un billete en la calle y acto seguido le dijo a su madre que cuando fuera grande quería ser millonario. Dorado (apellido muy pertinente para su “carrera” y su rubia cabellera) estuvo vinculado al paro empresarial de 2002-2003, es muy amigo de Juan Fernández, ex directivo de PDVSA, y sus ataques al gobierno del presidente Hugo Chávez los ha mostrado en la prensa nacional sin ningún prurito.

Pero ¿cómo es que Carlos Dorado se apropia del nombre de la pintora mexicana para convertirla en marca de cosméticos? Todo comenzó un día en que Carlos, como él mismo cuenta, se encontraba en sus oficinas de Miami y un empleado suyo llegó con una franela con la figura de la artista estampada en ella. Dorado sin ocultar su ignorancia, afirma que preguntó al empleado quien era esa “mujer tan fea” que tenía pintada en la camisa. El empleado le explicó y a partir de allí la mente de comerciante audaz de Dorado comenzó a cavilar cómo sacarle provecho a su “reciente descubrimiento”. Pero no le fue fácil llegar a lograr su meta.

Frida Kahlo es la pintora más emblemática de México, quien junto con los muralistas mexicanos, pertenece al olimpo de los artistas plásticos latinoamericanos del siglo XX. Frida llevó una vida intensa, trágica y apasionada. Marcada por la enfermedad y la desgracia, desde niña, sufrió un accidente que la dejó atrofiada de por vida soportando constantes operaciones, intensos dolores y al final de su vida la mutilación de una de sus piernas. Jamás pudo tener hijos lo cual afectó su relación con el monstruo del muralismo que era Diego Rivera, su esposo, el amor de su vida. Su pintura de estilo surrealista nunca fue comprendida, pintándose a sí misma en casi todos sus cuadros, reflejando el dolor y sufrimiento que padecía a causa de sus múltiples problemas de salud. Vestía ropas folklóricas de su país, con flores en el cabello y era característico el hirsutismo de sus pobladas cejas unidas. Estuvo también vinculada a la causa de los pobres y a los movimientos comunistas de entonces. Tosco resumen para explicar qué la llevó a convertirse en un personaje controversial, incomprendido y a veces rechazado por el arte mundial impuesto. Mientras Diego Rivera se convertía en una celebridad del arte universal en los años 30 y 40, la obra de Frida Kahlo quedó sumida en un cierto olvido hasta que a finales de los 80, gracias al mainstream estadounidense comenzó a conocerse la obra de esta artista. Una de las artífices de este boom de la fridamanía, fue nada menos que la cantante Madonna quien empezó a apasionarse tanto por la obra de Frida que decidió mostrarla en Hollywood y muchos fueron sus esfuerzos por protagonizar la película sobra su vida, que finalmente estuvo en manos de la actriz mexicana Salma Hayek, quien produjo, escribió y protagonizó la cinta Frida en 2003, con no muy buenas críticas, pero que terminó de catapultar al estrellato de la imaginería latinoamericana el personaje extraño y excepcional que fue esta artista.

¡Pero Carlos Dorado no tenía idea de quien era ella! Fue el año pasado, cuando se conmemoraban los cien años del nacimiento de Frida, que el empresario venezolano se enfrascó en un pleito judicial por los derechos del nombre de la pintora con la familia de ella y de Rivera, quienes se oponían enérgicamente a prestar el nombre de Frida para su comercialización. Pero finalmente la sobrina de Kahlo, Isolda Pineda, fue seducida por la “dorada” idea del empresario y le cedió el nombre y la imagen de la pintora, su firma y hasta algunas pinturas. La intelectualidad y los artistas mexicanos pusieron el grito en el cielo y condenaron la acción de la descendiente de Frida. Sin embargo muchos mexicanos mostraron más molestia por el hecho de que fuese un empresario extranjero y no un mexicano, el que obtuviera los derechos de comercialización de la marca Frida Kahlo y se enriqueciera a costa de ella.

Superado el escollo judicial y la crítica, Dorado arranca entonces la creación de su empresa Frida Kahlo Corporation, lanzando una línea de productos de belleza 100% hechos con materiales naturales, apelando supuestamente a “la fuerza y pasión con la que vivió ella”. Pero fueron otros productos los que generaron aún mayor polémica. Primero fue un tequila, del mismo tipo que se supone le gustaba a Frida, el que llevó su nombre. La nota de prensa sobre sus productos dice lo siguiente: “Nos dijimos, ¿cuáles son las cosas o productos que más usaba Frida? Es así, como nace la idea del Tequila Frida Kahlo, ya que ella tomaba tequila y decía que le aliviaba el dolor y las penas. Tratamos, y creo que lo hemos logrado, de producir en Guadalajara un tequila Frida Kahlo, con la misma calidad y sabor del original que ella solía tomar”, expresó Carlos Dorado. “Frida era una gran amante y descubridora de todo lo que era natural aplicado a su comida, a su belleza y a su salud; así que no podíamos dejar de hacer una línea de productos 100% naturales, sin un solo aditivo o producto químico. El gran reto era precisamente lograr una calidad en los productos a la altura de su vida, su obra y su personalidad, y creo que humildemente que lo hemos logrado.”

Luego vinieron una serie de productos de edición limitada los que terminaron de escandalizar a los seguidores de la artista. Unos zapatos deportivos de la marca Converse con dibujos y la firma de la pintora, una muñeca, joyas, platería, cerámica, ropa y finalmente un corsé, réplica del que debió usar Frida toda su vida a causa de las severas lesiones en su espalda, realizado por la marca de ropa íntima La Perla, con incrustaciones de cristales Swarozky, y vendido por la módica suma de 3.500 dólares. Incluso dice que tendrá un spa con su nombre.

Ahora Dorado está listo para traer su marca Frida Kahlo a Venezuela. Sus tiendas de cosméticos se encuentran en Miami y Nueva York, pero ya tiene un espacio especial en su tienda Casablanca en Caracas, donde venderá algunos de estos productos, que incluyen cremas, jabones y perfumes. También traerá el tequila: “nuestra aspiración siempre que hagamos cualquier cosa fuera de nuestro país es replicarlo aquí, porque creemos que siempre estaremos en deuda con nuestro país; por esto estamos en pleno proceso de trámite de toda la permisología necesaria para que este año tanto la tequila como los productos naturales Frida Kahlo estén en Venezuela y, por supuesto, estos últimos tendrán un lugar privilegiado y destacado en Casablanca con los grandes nombres de la moda”.

Carlos Dorado asegura que los beneficios económicos de la comercialización de los productos Frida Kahlo, se verán con el tiempo y serán sus nietos quienes los disfruten. En un artículo publicado en el diario El Mundo de España, el año pasado, titulado “Un gallego, millonario por Frida”, el autor escribió lo siguiente: “Ajeno, aunque no indiferente a la polémica, cuando se le interroga sobre la contradicción que supone ver a una mujer que abanderó el movimiento comunista convertida en reclamo comercial, Carlos Dorado exhibe un galleguismo aún más marcado que su acento: «Bueno, esa es historia de ella».”

Fuente: Argenpress